真紅の空を背に、黒く太い幹が斜めに横切り、白い梅がぱっと灯ります。
画面の左右にはオレンジ色の縁取りと大きな文字。版画の平面性と油絵の厚みがぶつかり合い、視線が一気に吸い込まれます。
1887年10〜11月、パリで描かれた《梅の花（広重による）》は、歌川広重《名所江戸百景 亀戸梅屋舗》を下敷きにした“ジャポネズリー（日本趣味）”の代表作です。
ゴッホは構図を大胆に拡大し、色を限界まで明るく強くして、浮世絵の語法を自分の絵肌へ翻訳しました。
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元は版画なのに、油絵になったら熱が段違いだね。
でしょ。線と平面は借りて、色と厚みは全開でいってるんだ。
《梅の花（広重による）》
まずは簡単に作品の情報を紹介します。
作品名：梅の花（広重による）
典拠：歌川広重《名所江戸百景 亀戸梅屋舗》
制作：1887年10–11月、パリ
技法：油彩・カンヴァス
所蔵：ファン・ゴッホ美術館（アムステルダム）
備考：同年、同シリーズから《雨の橋（広重による）》も制作
橋のほうが先で、そのあとに梅って流れなんだ。
うん。同じ広重から続けてやって、手応えを深めてるよ。
背景｜“浮世絵の展示”と収集熱が生んだ油彩の臨写
1887年のゴッホは、モンマルトルのカフェ・タンブランで自分たちの浮世絵コレクション展示を開き、版画をまとめて目の前に並べられる環境を得ました。
兄テオと合わせた所蔵は数百点規模。線の明快さ、思い切ったトリミング、季節感の扱い方に強く惹かれ、油彩での臨写に踏み切ります。
《梅の花》は、そのクライマックスに位置づく一枚です。
壁にずらっと版画を掛けて、その場で“翻訳”してた感じだね。
そう。見てすぐ描くから、体温がそのまま乗るんだ。
何をどう変えたのか｜構図拡大・縁取り追加・色の増幅
原作の大胆な手前枝のクロップは活かしつつ、ゴッホは画面サイズに合わせて構図を拡大しました。
左右にはオレンジ色の装飾縁を新たに描き込み、漢字の見出し風の文字をあしらって“掛け軸風”の舞台装置を強調しています。
色はさらに攻め、原作よりも空を深い赤に、芝を濃い緑に押し上げ、補色の対比で花を前へ弾ませました。輪郭線は浮世絵の墨線を思わせる太い暗色で引き、油絵具の厚みで立体感を加えています。
版画の静けさは残しつつ、温度だけぐっと上げてる感じ。
そう。“語法は借りる、温度は自分で上げる”が合言葉だ。
色と絵肌｜チューブ色に近い純度で勝負
当時のゴッホは、色を混ぜ過ぎずに高明度のまま置く方向へ舵を切っていました。
この画でも赤・緑・橙・白の四色が主役で、背景の赤はわずかな暗緑を混ぜる程度。
花の白は厚塗りで盛り、光を実際に反射させて版画にはない物質感を与えています。
少ない色数なのに、画面がスカスカにならないのがすごい。
面と輪郭の設計が効いてるから、色が少なくても密度が出るんだ。
広重へのリスペクト｜“切り取り”と“余白”を受け継ぐ
広重の元図は、近景の太枝で風景を大胆に遮断し、奥に梅園と人影をのぞかせる写真的トリミングが魅力です。
ゴッホはこの構図の骨を忠実に守りつつ、余白の扱いを油彩用に調整して、前後の奥行きをわかりやすくしました。
遠景の人物群は小さく簡略化され、「近くの樹皮の手触り」対「遠くの春の気配」という二層が際立ちます。
枝でバサッと遮るの、今見ても超モダン。
だよね。広重の構図センスに“厚み”を足したのがこの絵。
同時期作との関係｜《雨の橋》と対の“見本帖”
《梅の花》と対をなすのが、同じ《名所江戸百景》から取った《雨の橋（広重による）》。
ゴッホ《雨の大橋（歌川広重による）》を解説！浮世絵を質感豊かに表現
一方は季節の花と赤、もう一方は雨筋と青。
ゴッホはこの二作で、浮世絵の線・面・色面分割を自分の語法へ定着させ、のちのアルル《アーモンドの花》へとつながる“日本発の明快さ”を獲得します。
赤の梅と青の雨、色の教科書みたいなペアだね。
うん、見本帖を自分で作っちゃった感じ。
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まとめ｜借景ではなく“翻訳”としてのジャポニスム
《梅の花（広重による）》は、単なる模写ではなく、広重の構図＝文法を、ゴッホの色＝発音で読む“翻訳”の絵です。
縁取りの文字、補色の衝突、太い輪郭、厚い白。
日本の版画から学んだ平面の美と、自分の絵肌をどう交差させるか——その答えが、ここに凝縮されています。
原作の敬意と、自己主張の両立ってここまでできるんだ。
そう。尊敬はコピーじゃなくて、対話で示すのが一番強い。
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